Rick and Morty

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El mundo de la animación parece vivir una pequeña edad de oro. Los creadores nacidos en los 80 han tomado el control creativo, lo que se nota en los productos que llegan a las pantallas y que se caracterizan por una fuerte influencia de la cultura pop, cierta falta de ternura y un gusto indisimulado por el humor (post-humor, según la jerga al uso) ya no absurdo sino directamente aleatorio.

Series como Adventure Time, Regular Show o The Amazing World of Gumball logran el santo grial de gustar tanto a niños como a adultos, sospecho que en ocasiones más a los adultos. Como sucede con las producciones de Pixar, esta necesidad de encajar con un público tan masivo limita las temáticas y el tono, pero puede acabar siendo beneficioso. Los tiempos han cambiado, y el publico potencial de las producciones “para niños” ha aumentado exponencialmente. Los adultos actuales han crecido bajo una cultura eminentemente televisiva, y consumen dibujos animados sin demasiados complejos. Con esta gran masa de televidentes sirviendo como colchón, la libertad creativa se ha expandido hasta permitir, virtualmente, casi cualquier cosa. Solo dentro de un tipo de entretenimiento asumido de manera tan global es comprensible que existan engendros lisérgicos como Uncle Grandpa.

Pero cuando volvemos la vista a la animación para adultos la cosa cambia. De la misma manera que en el cine de actores reales, las productoras se lo piensan mucho antes de reducirse voluntariamente su target con propuestas calificadas por los organismos reguladores como “para adultos”. Rick and Morty es capaz de esquivar esta cuestión haciendo uso del ya típico pitido censor cuando los personajes incurren en palabrotas, pero el resto de su trama solo tiene sentido ante un público adulto de una edad relativamente concreta.

La marca de los 80 sigue muy presente (no deja de ser una versión enloquecida de Back to the Future), y también la libertad random, el gusto por lo desbocado, que Rick and Morty lleva al paroxismo. Su genialidad estriba, precisamente, en ser capaz de contener semejante caudal de homenajes, aleatoriedades, subtextos y marcianadas dentro de una propuesta redonda, comprensible. En Rick and Morty solo necesitaron un puñado de capítulos para tejer un universo de complejidad casi infinita, en el que, estamos avisados, puede suceder cualquier cosa, y lo han conseguido sin que tal maremágnum resulte incómodo, deslavazado o falto de coherencia.

Al margen de todas las lecturas generacionales que puedan hacerse y de su amplitud de miras a la hora de tratar temas y parodiar el mundo real o ficticio, Rick and Morty no deja de ser una comedia cuyo objetivo principal es hacer reír. Lo consigue, por supuesto. Como suele suceder con los mejores ejemplos de su especie, está protagonizada por personajes trágicos, y consigue mostrar nuevos matices y guiños inadvertidos en cada revisión de sus capítulos. Rick and Morty es un éxito, un clásico instantáneo que, esperemos, mantenga el nivel de calidad esta tercera temporada que acaba de empezar y durante muchos años por venir.

Filmaffinity: 8.4
IMDb: 9.3

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The Strain

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(Contiene espoilers de las primeras tres temporadas de The Strain)

Regresa The Strain para su cuarta y última temporada con un cambio de tercio completo que insufla cierta vida a una historia que hace mucho que muestra claros síntomas de agotamiento. Lo que hasta ahora había sido el relato de una lucha por la supervivencia de la raza humana frente a los strigoi, los curiosos vampiros con trompa creados por Guillermo del Toro, se convierte en esta entrega a una distopía post-apocalíptica en la que hay poco por lo que luchar. La guerra terminó y los vampiros ganaron, y lo único que puede hacer la facción humana es asumir la derrota y contentarse con ese mundo a medio camino entre 1984 y True Blood que nos proponen los guionistas.

Nos encontramos a nuestros héroes desperdigados por Estados Unidos, meses después del clímax de la temporada anterior, intentando sobrevivir e incluso organizar algo parecido a una resistencia. A través de los siempre socorridos flashbacks sabremos cómo han llegado hasta ahí, aunque no parece que haya mucho que contar. The Strain ha prometido que no volverá, y empieza a haber prisa por cerrar el chiringuito.

The Strain siempre se ha sentido cómoda en el desarrollo de clichés, y esta temporada no es distinta. Al margen de su planteamiento (considerar el vampirismo una enfermedad trasmitida a través de parásitos suena casi original) el resto de las novedades siempre han llegado a cuentagotas. En esta entrega final los tópicos se acumulan sin pausa, incluso aunque no tengan demasiado sentido. La ambientación pseudo-nazi enlaza con los orígenes de algunos personajes, pero no parece encajar demasiado con la naturaleza animalesca que hasta ahora habían mostrado los strigoi. Las granjas de crianza tienen cierta lógica, pero la manera como se ha llegado a ello es, como poco, sorprendente. ¿Era este tipo de cuestiones logísticas para lo que el interesante personaje de Palmer tenía tanta importancia?

Al margen de los clichés, esta temporada ahonda en una sensación que siempre ha estado ahí. En demasiadas ocasiones, The Strain parece tener mejor pinta por el texto que subyace debajo que por lo que vemos en pantalla, no pocas veces fastidioso y decepcionante, como el final de la temporada pasada. Hay buenas ideas apenas desarrolladas, grandes biografías resumidas con cuatro pinceladas, una historia interesante cubierta bajo toneladas de lugares comunes y personajes extraordinariamente antipáticos (pocas series han alcanzado una colección de protagonistas tan rematadamente odiosos).

The Strain comenzó muy bien, pero perdió fuelle hace demasiado tiempo. Queremos que termine de una vez, pero acompañaremos su desvencijado cadáver hasta la puerta misma del cementerio. Con sus muchos errores, fue una buena serie de vampiros.

Filmaffinity: 6.1
IMDb: 7.4

 

 

American Gods | Primera Temporada

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American Gods narra el encuentro y aventuras de Shadow Moon, un ingenuo ladrón recién salido de la cárcel, y Mr. Wednesday, un misterioso gentleman para el que termina trabajando como guardaespaldas. Sobre las cuatro ruedas del icónico Cadillac Fleetwood recorrerán Estados Unidos reclutando aliados para lo que está por venir. Sobre esta base clásica de road movie construye Neil Gaiman, fuente primaria de esta historia, la epopeya de una guerra entre dioses. De un lado las antiguas divinidades, los dioses de toda la vida representados por Wednesday, y del otro los nuevos ídolos, fenómenos surgidos a rebufo de la modernidad y que el público, sus creyentes, han colocado en lo más alto de sus deseos y pesares.

Esta primera temporada funciona como un largo planteamiento en el que las cartas de la partida no quedan del todo reveladas hasta su mismo final. Aquí estriba, en mi opinión, el principal riesgo de American Gods. Su esperado final no se convierte en acicate para la próxima temporada, no invita al espectador a seguir pegado al televisor, más bien lo contrario. Un raro efecto anticlimático embarga sus últimos minutos. Una vez expuesta toda su realidad, lo que seducía comienza a cansar, e incluso Wednesday, interpretado por el siempre brillante Ian McShane, pierde de repente su atractivo.

American Gods fascina mientras se mantiene ambigua, juguetona. En ese extraño mundo repleto de extraños dioses que ni parecen inmortales ni mucho menos omnipotentes, la guerra que se nos avecina apetece menos que conocer sus orígenes, el trasfondo que la termina desatando. En cualquier caso, hay material suficiente para que la segunda temporada recupere el brío de sus primeros episodios. La conseguida atmósfera onírica que nubla cada episodio y la química existente entre el inspirado elenco invita a ser optimista, por más que parezca que, al igual que le sucede a Shadow Moon la mayoría del tiempo, esta guerra entre divinidades venidas a menos y diosecillos de nuevo cuño nos pille un poco a contrapié.

Filmaffinity: 7.3
IMDb: 8.3

No tan Happy Valley

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Tras el definitivo final de Fargo, es buen momento para recordar la serie que muchos han calificado como su equivalente británica: la producción de la BBC Happy Valley. Ambas comparte el gusto por el medio semirrural y por esos personajes no demasiado despiertos que, tras toda una vida como ciudadanos intachables, guiados por un arranque de ambición, estupidez o simple necesidad, se ven inmersos en crímenes horribles de impensables consecuencias.

Al igual que en aquella Fargo primigenia, la inesperada heroína de Happy Valley es una mujer de mediana edad,  ya abuela y con un pasado de desgracias alrededor del cual se articula el tema central de toda la serie. Siempre en el centro de la acción, la sargento Catherine Cawood (personaje interpretado por la multipremiada Sarah Lancarshire), lucha, llora y vuelve a luchar para sacar adelante su turbia familia y, en última instancia, resolver todos los casos que pasan por sus manos.

La prominencia de este personaje es la primera consecuencia del gran problema que lastra Happy Valley. La cantidad de personajes es muy limitada, todas las tramas, por chocantes que sean, giran en torno a un puñado de rostros conocidos de tal manera que, como sucede en muchos procedurales, cuando un personaje nuevo entra en escena es porque lo van a matar o porque es el asesino. La falta de medios y la escasa amplitud de miras convierten a Happy Valley en un entretenimiento casi teatral, limitado en el espacio y de poco recorrido.

Dejando de lado su condición de serie menor, las interpretaciones tienen suficiente carisma para atrapar al espectador, y siempre resulta refrescante salir un rato de las oscuras calles de las grandes metrópolis. El humor negro y el sarcasmo, omnipresente en Fargo, es el punto donde vemos la mayor diferencia de concepto entre ambas series: la única broma de Happy Valley está en su título.

Filmaffinity: 7.7
IMDb: 8.5

The Handmaid’s Tale | Primera Temporada

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The Handmaid’s Tale, la aclamada serie de Hulu, nos embarca en un futuro poco halagüeño en el que las fuerzas más reaccionarias han tomado el poder en los Estados Unidos y han resucitado una peculiar visión del puritanismo codificada alrededor de una nueva realidad biológica: la futura extinción del ser humano debido a la esterilidad de la gran mayoría de la población. Inmersa en un mundo a medio camino entre la división clasista de cualquier otra distopía adolescente y una sharia occidental, nuestra criada protagonista, interpretada por Elisabeth Moss, se adapta a su nueva vida de parturienta profesional, lucha cuando tiene la ocasión y se postra cuando es necesario. Sobrevive, en pocas palabras, mientras es testigo directo de cómo los dogmas de nuevo cuño y esa moral estricta que la asfixia resultan ser una pose, y que la hipocresía, una vez más, es el motor fundamental de los grandes movimientos represores de limpieza moral. En cada rincón de Gilead, esa nueva Estados Unidos opresiva y puritana, encuentra una grieta, en cada represor un vicio que necesita ocultar para no ser víctima de sus propias ideas.

Esta adaptación de la novela de Margaret Atwood reproduce alguno de los tópicos habituales en el subgénero de la distopía. Al parecer, está visto que cuanto más chungo sea el futuro más compartimentado estará. Las castas que vemos en Gilead tienen su nombre, atribuciones e incluso su propia vestimenta (de gran elegancia, por cierto). Tenemos los jefes y sus esposas, denominadas Esposas, las Marthas, una suerte de amas de llaves grises y poco habladoras, las Criadas protagonistas de la historia, y no parece que exista espacio para la gente normal, aunque en ocasiones aparezcan en un segundo plano, como relleno dramático. Este tópico agrada al comienzo y termina aburriendo, como casi todo en esta serie.

Pero antes de eso, fascina que por una vez la distopía sea moral y plausible. El mundo de THT resulta pavoroso no tanto porque existan países donde la mujer viva bajo una represión semejante, sino por determinados tics fáciles de rastrear en nuestras propias sociedades, abiertas y tolerantes, y que tirando de la madeja conducen directamente al horror de Gilead. Una de las virtudes de THT es la elegante manera como nos recuerda que la libertad se gana día a día, y no es difícil perderla de golpe si no se cuida lo suficiente. En espera de ver cómo evolucionan los acontecimientos en la próxima temporada, lo que hemos visto hasta ahora nos refiere una verdad histórica: incluso en los ambientes más represivos encuentra la libertad y la diferencia la manera cómo abrirse paso, y lo consigue no porque exista una resistencia que luche contra el totalitarismo, sino porque el germen de la revolución está en cada uno de nosotros, también en los propios líderes represivos, que sin testigos y de puertas para adentro se relajan y vuelven a disfrutar las felices libertades que ellos mismos se encargaron de erradicar.

Pero, como digo, THT también llega a aburrir, y lo hace por culpa del excesivo protagonismo de su heroína, por la escasa relevancia de los flashbacks, por esa historia de amor encajada con calzador que remite a los ejemplos más convencionales del resto de distopías para adolescentes. Pero sobretodo aburre porque da la sensación de que sobran capítulos y falta material dramático. La segunda temporada, ya en el horizonte, tendrá que marcar un ritmo menos moroso si no quiere perderse en su propio camino.

Filmaffinity: 8.0
IMDb: 8.7

 

 

The Leftovers | Final

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El estreno de The Leftovers supuso el regreso a la televisión de uno de los creadores de series más exitosos de los últimos años. A principios de siglo, Damon Lindelof y J.J. Abrams pusieron los cimientos de la ficción televisiva patas arriba con Lost, la sublimación del arte del cliffhanger y del todo vale. Tras su polémico final, Abrams se dedicó a expandir su nombre, ya convertido en marca, apadrinando todo tipo de productos de calidad variable. A Lindelof se le había perdido la pista hasta que HBO se sacó de la manga la adaptación de la novela de Tom Perrotta The Leftovers, una serie que prometía la misma experiencia radical y esotérica de Lost pero con una ambientación y un tono adulto y realista.

Había algo de eso. La primera temporada de The Leftovers parecía empeñada en sorprender al espectador con todo tipo de chocantes giros de guión. Sin un verdadero misterio que ocultar y desvelar (lo sucedido durante el capítulo piloto iba más allá de la comprensión humana), la gracia de aquel primer The Leftovers consistía en dejar al televidente a cuadros con las malsanas ocurrencias de sus personajes. Mientras los jóvenes de la serie se dedicaban a jugarse la vida y la salud con turbios entretenimientos sexuales, los adultos intentaban sobrevivir a lo inaudito embarcándose en extrañas sectas y dedicando sus días a los pasatiempos más chungos que uno pueda imaginarse. El mundo de The Leftovers era una calamidad, y todo provenía de un mismo hecho.

La desaparición repentina del 2% de la humanidad era el leitmotiv, la razón última. Con ese punto de partida, lo que pretendía ser un estudio de cómo el mundo es capaz de enfrentar lo sobrenatural, se convirtió en una colección de traumatizados. Era más adulto que Lost, ¿pero más realista?

Con el paso de los capítulos y las temporadas, los primeros asombros fueron quedándose diluidos y la acción, al principio dispersa entra varios personajes y espacios, se centraba en una misma familia, dudosa en su composición pero definitivamente forjada en el memorable final de la segunda temporada. El intento por resultar realista a la hora de medir las reacciones de la humanidad ante semejante cataclismo contrastaba con la necesidad de la serie de resultar atractiva. Al principio, el principal punto focal fue el choque entre las distintas maneras de asumir la pérdida y la presencia de un poder hasta ahora invisible. Pero a partir de la segunda temporada comenzó a apreciarse un cambio que, en mi opinión, mejoraría la serie de manera rotunda. Ya no se trataba tan solo de enumerar rarezas y comportamientos límite. En esa segunda temporada conocimos Miracle, el pueblo invulnerable del que nadie desapareció, y los entresijos de alguna de las sectas que habían surgido a rebufo del gran cataclismo. Un año después, ya en la tercera temporada, seríamos testigos del miedo y la esperanza de que lo que sucedió volviese a pasar, pero por encima de todo, lo que había cambiado en The Leftovers era la profundidad de su mirada y la decisión de centrarse de manera definitiva en un grupo de personajes y en unas relaciones que nunca resultaron convencionales ni aburridas.

Lo sobrenatural, que comenzó siendo un detonante de alcance global, terminó convirtiéndose en algo cotidiano, una realidad con la que todos debían lidiar, ya fuera ignorando su presencia, asumiéndola como inevitable o intentando controlar su fuerza. De todo eso hubo en los últimos capítulos de The Leftovers, y también malas decisiones, y algún arco argumental francamente irrelevante. Su final nos deja el recuerdo de una serie irregular que supo centrar sus esfuerzos, y también un universo único y brutal lleno de rarezas y hallazgos. The Leftovers nunca fue una serie perfecta, pero sí irrepetible.

Filmaffinity: 7.3
IMDb: 8.1

 

And Then There Were None

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Hace unos meses, con motivo del cincuenta aniversario de la muerte de Agatha Christie, la BBC dio una segunda oportunidad a And Then There Were None, una miniserie estrenada originalmente en 2015. Como no podía ser de otra manera, el incorrectísimo título original de la novela (Ten Little Niggers, Diez Negritos en España) deja paso al nombre que su autora dio a la obra de teatro derivada. Con un título o con otro, queda claro el mimo y la atención al detalle puestos en esta nueva adaptación del relato clásico. ATTWN es una miniserie precisa, madura y con una puesta en escena superior a la habitual en este tipo de producciones.

Aunque hay cosas que no pueden actualizarse. El férreo planteamiento original, la idea de un puñado de personajes encerrados en una trampa de la que no pueden escapar, ya no resulta tan arrebatadora. Lo hemos visto demasiadas veces, y ha sido parodiada hasta la saciedad. El guión hace un notable esfuerzo por mantener la tensión en una trama tan rematadamente predecible, y por momentos lo consigue. Pero tres horas son demasiadas para una historia tan sencilla, y nunca deja de sorprendernos, por mucha flema británica que se saquen de la manga, el sosiego con el que este grupo de dudosos invitados asumen su exterminio.

No todo es malo, al contrario. Los aficionados a la autora disfrutarán como cosacos. La complejidad de los personajes, la elegante narrativa, el soberbio elenco actoral… no han escatimado nada a la hora de ofrecer un producto de acabado superior. Convertido más en un drama psicológico que en el juego detectivesco acostumbrado, ATTWN pone el foco en la culpa y la invisibilidad de la locura, que siempre acecha. Con todas las inconveniencias heredadas de la ingenua época en la que fue escrita, ATTWN atrapa y sorprende con su certera fase final, y hace olvidar, casi siempre, que esta historia ya la conocemos.

Filmaffinity: 7.2
IMDb: 8.0